Con un diseño de producción impresionante y una fotografía exquisita, "El Misterio De Soho" (2021) es un atractivo thriller psicológico cuyo empaque tiene varios géneros como el terror, el drama, lo fantástico, el musical, el policial, el gore, entre otros giños a películas de los años 70.
Lo mejor de la película (su guion) está en los dos primeros actos: sólidos y contundentes, bien llevados por sus dos protagonistas: Thomasin McKenzie y Anya Taylor Joy. Si bien el tercer acto y su desenlace se precipita de una manera bastante convencional, el resultado logra sorprender por la inteligente e impecable dirección del cineasta Edgar Wright.
En estos tiempos la gente está muy
sensible y se escandaliza por todo. Finalmente se estrenó "Cuties" ("Guapis" o "Mignonnes") de la cineasta franco-senegalesa Maïmouna Doucouré. Una
película que nadie se hubiera enterado si no fuera por la desafortunada
promoción de Netflix que la hizo conocida y polémica (hasta la fecha piden
sacarla de la plataforma).
Y bueno la cinta tiene sus aciertos y flaquezas. En primer
lugar, démosle un aplauso a su elenco actoral (esas niñas actrices son talentos
puros, principalmente de su protagonista: la estupenda Fathia Youssouf) y un pulgar para arriba para la dirección que está
sumamente correcta. Lo más flojo y hasta con algunos baches es su guion muy convencional: un "come of
age" a toda regla.
La historia de la niña presa en una
conservadora familia musulmana y atraída por la sexualizada cultura occidental
(ambos mundos, altamente machistas) es una buena premisa para la PROVOCACIÓN en la
audiencia sin duda alguna, pero eso es todo: no hay crítica frontal ni postura
clara, la problemática o denuncia sólo se pone sobre el tapete y todo dependerá
de los ojos de quien mire y juzgue.
Los sensuales bailes (que por momentos se
le escapa de las manos a la directora al hiper-sexualizarlas) y las travesuras
de las niñas agrandadas influenciadas por la "cultura de los likes"
se ilustran sin un ápice de cuestionamiento sincero. Aunque debemos resaltar que se plantean 2 problemas fundamentales en las familias de hoy: La incomunicación entre padres e hijos y la falta de orientación y/o educación sexual. Temas para DISCUSIÓN y REFLEXIÓN a nivel extrafílmico.
Al final, todo lo visto no
es más que una serie de pretextos para mostrarnos la encrucijada en la que caen
y viven ciertas niñas en su paso a la maduración, obviamente todo desde la
mirada inocente de su protagonista en pleno crecimiento corporal, una
pre-adolescente explorando y reconociendo su femineidad (y cómo esta cualidad es una
debilidad -e incluso un poder- dependiendo en qué sociedad se encuentre).
Tras
una serie de cortometrajes de ficción premiados en el extranjero y un
mediometraje documental, el cineasta peruano Mauricio Franco Tosso finalmente
da el salto hacía el largometraje con “Samichay” (2020), ópera prima que llega
al 24ºFestival de Cine de Lima, edición online debido a la pandemia.
Producida
por Quinta Imagen Films (Lima) y Quechua Films (Madrid), en coproducción con
Perfo Studio, Tomas Gistau y el apoyo de David Rocher (principalmente en los ámbitos
de postproducción sonido), la película fue filmada en los pueblos altoandinos
del Cusco y empleando mayoritariamente la lengua quechua.
Vamos
al análisis. Lo mejor de la película está en su atractiva
y cuidada fotografía en blanco y negro, y en muchísimos elementos específicos como las bien
pensadas y correctas puestas en escena, los significativos y precisos movimientos
de cámara hasta la dirección de actores que está sumamente equilibrada
(sabiendo que estamos ante no actores, a excepción del protagonista). Pero, ¿y dónde
está la debilidad? En primer lugar, su guion (una historia que se siente fracturada, con un personaje principal que no logra conectar emocionalmente o simpatizar del todo con la audiencia, lo vemos transitar por todo el filme como cuando vemos pasar por la calle a una persona extraña y distante)
y por último la dirección (que está más preocupado por la forma, puntualmente por lo
visual y lo técnico).
Tras la breve presentación
de Celestino (Amiel Cayo) vendiendo agujas en la feria del pueblo e indagando
el costo de un toro para la reproducción de crías, el filme se divide en 3
grandes partes centradas en la pérdida -poco a poco- del espacio habitado. Son secuencias en el que una es más
compacta que la otra y cada una tiene un ritmo, un tono y una línea narrativa
concreta, a nivel individual son efectivas; pero vistas en conjunto no logran
articularse del todo de manera orgánica.
La
primera secuencia subtitulada “Chʼinlla”
(silencio) es sin duda la mejor de las tres (aunque inevitablemente
remite a la lograda cinta puneña “Wiñaypacha” de Óscar Catacora, pero en una escala
menor es muchos aspectos). Centrada en
contextualizar al protagonista y su entorno, esta parte se desarrolla en lo
alto de una colina, en una precaria y solitaria casa andina alejada del pueblo
y del mundo entero. Ahí habita el viudo Celestino con su hija Yaquelin (Raquel
Saihua) y la abuela Agustina (Aurelia Puma). Prevalece el diálogo como el
medio más fácil de conocer a los personajes más que por sus actos, y donde los ejes temáticos
son el desamparo, la soledad y la desilusión.
Celestino
no ha podido re-hacer su vida tras la muerte de su esposa que aún está presente
en sus sueños y lo persigue como un fantasma (se presume inicialmente como un
problema psicológico); además su hija desea irse a la ciudad, reniega de su
entorno cultural-lingüístico y según sus palabras muy cercanas a la rebeldía y al feminismo “no
desea un marido”; y, por otro lado, la anciana está resignada esperando a la muerte. A ello se suma, una vaca que no da leche ni crías y la tierra no es
buena ya para el cultivo. Celestino intenta resistirse, guarda un granito de
esperanza, pero la tragedia y los cambios son inevitables, ya sea por decisión
o por el destino.
En la segunda secuencia subtitulada "Rimay” (hablar) vemos a Celestino en un primer tramo de su largo viaje con un objetivo no muy
concreto. Sólo sabemos que se va del hogar con su vaca. En esta parte el tono contemplativo sube
a primer plano, mucho más cercano al documental. Técnicamente, es decir visualmente
funciona muy bien, pero a nivel narrativo (hablando del guion), después del
pago a la tierra, poco a poco entramos a un terreno un tanto premeditado, artificioso
y poco creíble. Celestino curiosamente va en busca del hacendado Don Fermín,
pero ¡oh, qué casualidad!, llega justo y demasiado tarde a la vez. Surge
entonces algunas interrogantes que no debería formulárselas el espectador como
por ejemplo: ¿realmente lo buscaba para venderle la vaca o para ilustrarnos el fin de una época?, ¿nunca se informó de
la reforma agraria teniendo una radio en casa y constantemente bajando al
pueblo?, ¿en qué tiempo histórico se desarrolla los hechos de este filme?, etc.
La última secuencia subtitulada "Samichay” (en
busca de la felicidad o plenitud) es muy evidente que el ritmo de los
acontecimientos se acelera un poco y se re-carga de emociones. Celestino llega
al campo ferial del pueblo, intenta vender la vaca, descubre cuál es el destino
final de estos animales, para finalmente -aquí estamos ante el punto más alto
del relato: el climax- tomar una decisión con la vaca que (valga la redundancia)
toma por sorpresa al espectador entre el shock, la conmoción y lo increíble. Su
mejor salida de este punto crítico es revelándonos o confirmándonos que no hay ni
hubo un problema psicológico en el protagonista, en realidad “existe una vida
alterna/paralela a la nuestra” donde la vida continúa según el realismo mágico-religioso del
pensamiento andino. Finalmente, Celestino toma un camión con dirección a la ciudad
(un final que inevitablemente remite a otro filme, hablamos de “Madeinusa” de
Claudia Llosa), dejando todo atrás.
Una vez más estamos ante una película que sí
efectivamente se siente una preocupación y respeto por la representación del
mundo andino, pero lamentablemente aún se mantiene y repite esa óptica (en
varias películas peruanas) donde el ande es inhabitable, vivir en el campo o
en la sierra cada vez más deshabitada por la migración es una suerte de tragedia, esto obviamente debido a muchos factores como
la ausencia del Estado (Salud, Agricultura, Educación) y/o por la Globalización
que empuja o seduce con su “encantadora” modernidad y su “atractiva” tecnología a los
pobladores, y si son jóvenes aún más.
Tras su paso por algunos festivales independientes
de Tokio, Londres y New York, la película peruana “Manco Cápac” (2020), lo
nuevo del cineasta puneño Henry Vallejo Torres (“El misterio del Karisiri”), llegó
finalmente al 24º Festival de Cine de Lima, que este año se adapta al formato virtual
(online) debido a la pandemia
Ganadora del Concurso de Proyectos de
Largometraje exclusivo para regiones - DAFO 2014, el proyecto recibió un monto
de 400 mil soles para su realización, filmada íntegramente en la ciudad de
Puno, con un reducido equipo técnico, específicamente familiar (los Hnos.
Vallejo, quienes asumen los cargos desde la dirección hasta la música y el
vestuario).
Tras un riguroso casting local y previos
talleres de formación actoral básica, el protagónico recae en el novel actor adolescente
Jesús Luque Colque, quien da vida a Elisbán, un muchacho del campo que llega a
la ciudad de Puno en busca de su amigo Hermógenes por un trabajo prometido. Su
llegada, durmiendo pegado a la ventana y sentado en el piso en posición fetal en
el ómnibus, es súper significativo, pues el protagonista está a punto de nacer/conocer
un “nuevo mundo”: la indiferente, bulliciosa y compleja ciudad urbana, que
funciona como la gran antagonista. Y obviamente, minutos después, al no hallar
al amigo; sin dinero y sin hogar, a Elisbán sólo le queda sobrevivir mediante trabajos
ocasionales.
Como vemos, estamos ante una trama sencilla
y única que se mantendrá hasta el final. Una historia que sin abandonar del
todo algunos principios de la narrativa convencional, la película toma una
cierta distancia al respecto, centrándose en un largo tramo donde evita (y no
es necesario) los sorprendentes e inevitables giros narrativos; no requiere de
subtramas ni la presencia obligada de personajes secundarios (sólo opta por los
ocasionales y funcionales); tampoco recurre al ritmo acelerado producto de la acumulación
de escenas o secuencias que obligan a resolver algo; más bien se centra en
seguir al personaje muy de cerca en las pequeñas aventuras y desventuras laborales
por la ciudad cual viñetas una y otra vez, y es aquí donde el guion tiene su
punto más laxo, repetitivo y con algunos baches; pero gracias a su giro final logra
salir airoso (un efecto sorpresa para descubrir el porqué del título del filme).
Por otro lado, el personaje (ojo, no el
actor que está sumamente comprometido y muy acertado en su elección) se aleja también
de los arcos evolutivos convencionales, y esto es porque no estamos ante una historia
de maduración, sino principalmente ante el retrato de una realidad donde el
personaje con un toque de "aprendizaje" es solo un elemento más.
Vamos al grano. Lo que sí me sorprende son las lecturas condescendientes, superficiales y ligeras de ciertos críticos al momento de hacer una lectura al filme, ya que de los espectadores podría esperar cualquier cosa. Un gran acierto (que no es lo mismo que un gran mérito) es no haber caído en el miserabilismo y la pornomiseria directa, pero la película sí roza y coquetea por esos linderos tenuemente. La mayoría valora positivamente la representación de la dura realidad que viven los migrantes del campo a la ciudad, adjudicándole al personaje cierto aire de resiliencia hasta una pincelada de optimismo. Pero aquello es apenas la punta del iceberg, un análisis en profundidad nos revela a un protagonista víctima de la globalización, que no le queda más que acomodarse o adaptarse al medio hasta el punto de cosificar y mercantilizar su cuerpo al servicio de un mundo consumista y neoliberal. Asumir la figura de un personaje histórico del pasado no solo es resistencia y símbolo de un imperio heredado ahora sin poder ni gloria ni mando, #Elisbán en estos tiempos es también un elemento/pieza/medio de un mundo capitalista, en realidad los espectadores celebran y hasta romantizan el ingenio (llámese 'viveza') del peruano como instrumento de sobrevivencia en la tierra tercermundista de los desposeídos.
Técnicamente aceptable, “Manco Cápac” es la segunda obra de ficción de un director
que sin duda demuestra un crecimiento a nivel formal. Un producto realizado con
más pulso y un mayor control, pero que aún mantiene algunas debilidades de acabado, fondo y perspectiva. Un drama social que no toma partido desde
la denuncia o la crítica directa, sino más bien desde la observación y la
exposición, desplegando y poniendo sobre la mesa muchos temas sin ahondar sólo para la contemplación.
Por ejemplo: el individualismo y la soledad, la informalidad y la precariedad laboral,
la globalización y la desprotección estatal, la orfandad y la pobreza, la migración y el crecimiento urbano en los andes, etc.
UN PUNTO A FAVOR: La representación de la
ciudad andina se aleja de la postal, el folclore pasa a segundo plano o telón
de fondo (y los paisajes idílicos están fuera de los encuadres)
UN PUNTO
DEBATIBLE: El filme no escapa del todo a
esa visión trágica, pesimista y desencantada del mundo andino que aún se sigue
plasmando/transitando en nuestra cinematografía, aún seguimos esperando realidades más optimistas con personajes tridimensionalmente mucho más complejos, más realistas y más verosímiles.
UN DATO ADICIONAL: Un personaje que llega del campo a la ciudad andina en Puno
y pasa por ciertas desventuras, ya lo habíamos visto también en “Juanito, El
Huerfanito” del cineasta Flaviano Quispe, obviamente desde el género del
melodrama; de hecho, el director de esta cinta tiene un pequeño papel en “Manco
Cápac” como el vendedor de sánguches.
Y bueno, definitivamente lo que se llama
TERROR con mayúsculas no lo es, #Sebastiana es principalmente
un filme de aventura paranormal con toques (por no decir
"ejercicios") de terror. La historia del filme toma como punto de
partida "Mujer y Tigre", del gran escritor peruano Ricardo Palma (lo
puedes leer online aquí).
La película arranca cuando una
profesora relata a sus estudiantes la tradición y visualmente nos
trasladamos al siglo XVII (que es quizá lo mejor de toda la película porque si
hay algo que no podemos negar es que Augusto Tamayo sabe recrear
épocas, lo podemos notar desde el vestuario hasta la escenografía, pasando por
los selectos encuadres hasta una cuidada fotografía y cierta recreación de
atmósferas, nada nuevo teniendo en cuenta que aquello lo domina desde sus
anteriores filmes de corte histórico).
La tradición cuenta la historia de la
primera mujer ahorcada en la Plaza Mayor de Lima y Nani (Silvana Cañote), una
de las jóvenes que oye el relato, descubre que aquella mujer llamada Sebastiana
podría ser parte de su árbol genealógico, hecho que lo confirma con su grupito
de amigas indagando en la biblioteca en los mapas antiguos de Lima y
reconfirmada por un tío posteriormente. Acto seguido: Del terrible y trágico
hecho real histórico pasamos a la aventura: Nani y sus 4 amigas se van a la
abandonada hacienda familiar. Lo que sigue es gran parte del metraje bastante
inconsistente, divagante y poco novedoso a nivel de historia (guion),
instaladas en la casona... las chicas empiezan a ser acechadas por
sombras/entes/presencias paranormales.
En un tramo donde se debería ahondar en el
desarrollo, las relaciones y confrontaciones de los personajes hasta las
subtramas (en este caso, en el de las chicas, nunca llega a cuajar y todo es
trazado de un brochazo porque la cinta esta preocupada más en "querer
asustar" al espectador, pero nunca lo logra de manera efectiva, pues sólo
hay un desfile o despliegue de toda una serie de elementos, referencias y giños
que a estas alturas -supuestamente- debería seguir asustando (desde muñecas,
mecedoras, sótano, columpios, bañera, ducha a lo "Psicosis",
posesión, etc, etc.).
Si hay un par de segundos sorpresivos y
hasta quizás interesante, ese es el toque lésbico que lanzan en la cinta, pero hasta
eso (que muy bien pudo ser explotado), aquí es una mera anécdota súper
olvidable. Al final, la historia se precipita (luego de que las chicas corren y
corren de un lado para otro, sin aportes grandes y significativos a la trama,
ya que sinceramente solo distraen de lo esencial, si la historia hubiera tenido
una sola protagonista y se eliminaba a las otras, nada cambiaba o hasta
probablemente ganaba más solvencia y solidez).
Didáctica, reflexiva e ingeniosa, #LaRevoluciónYLaTierra nos da una de las
mejores clases de Historia del Perú que todo peruano de a pie debería ver.
Apoyándose de material fílmico y de archivo de antaño se revisa -no sólo
términos sino también- la situación del indígena, el campesino y el cholo
relacionada con la inevitable Reforma Agraria que tuvo su punto más alto
durante el Gobierno Militar Revolucionario de Velasco. Además de cómo el cine
contribuye en la constante construcción de un rostro para el país. PUNTAJE: 8/10
Unir varios episodios de una serie para
comercializarla como largometraje no siempre funciona bien, pero con cierta
creatividad en la postproducción sí es posible. #AjZombies logra atrapar de
principio a fin gracias al carisma y talento de sus protagonistas, aunque más
bien diríamos por el certero diseño de personajes y situaciones cómicas en
medio de una invasión zombie en Lima. Sinceramente, un buen ojo para darle
unidad (coherencia y cohesión) al producto. PUNTAJE: 6.5/10
Ganar un fondo económico estatal por el proyecto-guion, tener una premisa interesante y un
elenco atractivo no siempre aterrizan bien en pantalla grande. #PixelesDeFamilia pone sobre el
tapete la desconexión entre los miembros de una familia de clase media alta con
problemas que van desde lo económico hasta lo existencial, se acerca a ellos
cual zoom hacia un pixel, pero nunca logramos ingresar a sus mentes y menos a
las motivaciones reales (o profundas) del estado emocional en la que se
encuentran cada uno de ellos. Con un guion esquemático donde todos los personajes
deambulan de un lado a otro y se teatralizan situaciones, la película pierde
fuerza hasta desconectar con el espectador porque todo se precipita sin haber
desarrollado o construido sólidamente algo. Una ópera prima fallida e irregular
por donde se la vea, tanto en factura como en historia. PUNTAJE: 3/10
¿Que las ficciones en torno a la violencia de la década de los 80/90 en el Perú están agotadas? No, claro que no. #LaBronca, la nueva película de los Hnos. Vega confirma que hay historias para rato siempre en cuando haya creatividad, seriedad y calidad al abordarlas. Así te vayas a vivir a Canadá (lugar donde transcurre la película) las sombras de la violencia te alcanzarán y no te dejarán nunca. Un mundo en el que los hombres y su masculinidad entran en fricción, conflicto y pugna. Con una sólida dirección, actuaciones solventes, un guión preciso y una factura impecable, el filme logra impactar y atrapar a los espectadores de principio a fin. PUNTAJE: 9/10
